Papa à la chasse aux lagopèdes

Pourquoi ? Parce que c’est toujours intéressant, au cinéma, de ne pas faire semblant que la caméra n’existe pas, qu’il n’y a personne derrière pour la tenir. Robert Morin semble le spécialiste québécois de la question : il aime détourner l’espèce de convention qu’à le 7ème art de fiction d’effacer le plus possible ses traces d’énonciation. Bien-sûr, il n’est pas le seul ni le premier à titiller cette habitude. Les plus marquants activistes de la rupture de l’illusion cinématographique se situent dans les années 1960, avec quelques cinéastes de la nouvelle vague. (C’est Belmondo qui dit en riant “Allez vous faire foutre” aux spectateurs d’À bout de souffle de Jean-Luc Godard). Vous pouvez revoir le superbe et plus récent Caché, de Michael Haneke, qui soulève également cette question de la dissimulation du cinéaste.

Caché

Dans plusieurs de ses réalisations, Robert Morin installe au centre de sa fiction un personnage filmant. C’est ce personnage qui devient le responsable des images que le spectateur voit à l’écran. Dans Quinconque meurt, meurt à douleur, il s’agit d’un caméraman de journal télévisé. Dans Petit Pow Pow Noël, c’est Robert Morin lui-même qui filme son père en train de mourir (impossible d’y discerner le vrai du faux). Et puis, dans Papa à la chasse aux Lagopèdes, c’est un homme d’affaire verreux (une sorte de réplique de Vincent Lacroix) qui se filme, fuyant la police, pour tenter d’expliquer ses gestes malhonnêtes à ses deux petites filles. Ce dispositif que Robert Morin répète ne permet pas seulement de parler de l’énonciation. Il est surtout la cause et la conséquence du phénome de la démocratisation de la caméra. Beaucoup en possèdent une, et tout le monde est a peu près capable de faire son propre film, en commençant souvent par filmer sa famille.

Papa à la chasse aux Lagopèdes

Sauf que là, pour le coup, le personnage cinéaste de Papa à la chasse est un très très très riche monsieur, alors il peut se payer une caméra HD, le top du top des caméras numériques, un appareil qui vaut un peu plus cher que la fonction movie de nos cellulaires. Je ne peux pas m’empêcher d’y voir un superbe clin d’oeil ironique de Morin… Le numérique était l’esthétique du pauvre, celle qui a permis aux cinéastes de produire vite et pas cher, et voilà que Sony nous invente cette nouvelle caméra, certes numérique mais cette fois absolument inabordable. Je m’interromps pour citer Mike Figgis, réalisateur de Time Code (film selon moi très mauvais mais cependant louable pour ses bonnes intentions) :

” Hollywood est terrifié. Ils ont peur, car si je prouve que je peux faire un film avec moins de 100 000$ - avec des vedettes en plus – et l’équipement utilisé peut se transporter dans ma voiture, cela va faire peur à une industrie qui a surinvesti dans le matériel technologique… Alors qu’est-qu’Hollywood a fait ?, qui selon moi est vraiment ridicule, ils ont prétendu que la révolution numérique est cette chose appelée « Haute Définition » ou « Lucassound » ou Lucas ceci ou cela. Ce qu’ils essaient réellement de faire est d’esquiver l’attaque en disant : nous sommes du même côté que vous. Cependant, ce qu’ils disent plutôt est : s’il-vous-plaît ne partez pas avec notre argent. “

Alors voilà, ce que fait Morin, c’est que cette caméra Haute Définition, il l’utilise tout de même. Et par la même occasion, il nous explique toute sa fonction : un beau jouet pour personnes beaucoup trop riches.

D’ailleurs, vous pouvez aussi aller voir Papa à la chasse aux lagopèdes pour des raisons très éloignées des choix formels dont je vous parle ici. Vous pouvez simplement y aller pour réfléchir aux gens trop riches.

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Papa à la chasse au Lagopèdes, Robert Morin. RVCQ, Cinémathèque québecoise, 21 février 2009
17 h 15. En présence de l’interprète François Papineau.

Du coup, cette observation m’amène à réfléchir sur les tendances actuelles de la bande dessinée. Combien de BD ne sont finalement que des storyboard, (plusieurs publications de la maison d’édition Soleil, par exemple) comme si le dessinateur n’avait eu ni la patience ni les moyens de réaliser un film d’animation ? À quel point la bande dessinée s’est développée en fonction du cinéma et à quel point elle transpire actuellement d’influences cinématographiques ? Est-ce une influence intéressante, où s’agit-il plutôt d’un carcan culturel, nous qui sommes nés avec l’image mouvante ?

J’avais beaucoup apprécié l’adaptation cinématographique de la bande dessinée Persepolis par sa propre auteure, Marjane Satrapi. L’entreprise était pourtant très similaire à la version littéraire de l’histoire. Pourquoi suis-je donc si septique lorsque l’inverse se produit, qu’un film d’animation est adapté en BD ? Je me refuse pourtant à penser la bande dessinée comme un art inférieur. Il faut dire qu’il n’y pas non plus grand auteur de littérature non-graphique (et il ne nous viendrait jamais l’idée de considérer la littérature comme un art inférieur) qui s’aventurerait à adapter en roman une oeuvre cinématographique - sauf dans les cas précis de quelques produits dérivés, justement…

L’Homme indien opulent de la ville emprunte, consomme, compétitionne, se compare, rêve à un idéal bollywoodien.

La réussite est capitale. L’échec dévastateur. L’Homme déchu s’enlève souvent la vie, entraînant du même coup dans le drame familial femme et enfants, le collectif. L’Homme de la ville met énormément de pression sur ses enfants, l’entraîne dans ce tourbillon compétitif le poids énorme de la pression familiale sur les épaules frêles des jeunes étudiants et étudiantes. S’ils courbent l’échine, la colonne se fracasse, le plus souvent au bout d’une corde…

Taux de suicide 2006 par états indiens. taux pour 100 000 habitants. voir note 1

L’Homme des champs travaille avec le soleil. Se lève avec le boule de feu, se brûle à l’effort, dans les champs labourant, dans l’eau des rizières cultivant, et se repose seulement lorsque le feu s’éteint. Trimer dur n’a rien de bien différent ici, dans le sud de l’Inde, au Karnataka, que dans les plaines assoiffées du Sahel ou les cultures du coca andin. Ici aussi l’Homme n’a pas le choix de se tuer à la tâche : il se doit de rembourser des emprunts faramineux lui permettant d’avoir son lopin de terre, pour cultiver sa subsistance, à la sueur de son front…

Rizière près de Mysore, Karnataka, Inde (Photo Philippe Viel)

Se tuer pour survivre… étrange

Cette pression, ajoutée aux caprices de Dame Nature, peut rendre l’Homme des champs fou, dépressif comme l’Homme de la ville. Des sécheresses, comme celle de l’an dernier dans cette immense région de l’Inde, ruine sa vie, l’abrégeant par la suite, ici aussi, par l’asphyxie provoquée par un nœud coulant…

De plus, les statistiques indiennes mentent. Déjà, les chiffres effarants ne révèlent que la pointe de l’iceberg (plus de 150 000 suicides en 2002), étant submergé par le tabou et le silence, par la diabolisation, la stigmatisation, et les lois archaïques, qui emprisonnent et punissent sévèrement toute tentative de suicide. On cache donc la majorité des cas.

Déprimant…

Note 1 - Le Kerala et le Karnataka, deux régions majoritairement agricoles, sont celles dont les taux sont les plus élevés… comme quoi le poids économique des emprunts banquaires pèse énormément sur les épaules des agriculteurs…

Mon billet d’aujourd’hui est sur un sujet qui m’a marqué depuis mon arrivée en Inde: le suicide en Inde, surtout chez les étudiants. (ah oui, j’oubliais, je suis en voyage en Inde jusqu’au 22 février prochain…)

Le sud de l’Inde est considéré comme une des capitales mondiales du suicide. En lisant les journaux locaux de Bengalore, ville du centre-sud indien (5 millions d’habitants, dans la région de Karnataka), je suis tombé sur un article très préoccupant : le nombre effarant de suicides chez les étudiants des collèges et universités. Comme quoi la problématique du suicide chez les 18-25 ne se trouve pas seulement qu’au Québec.

En mai 2008 le ministère de la santé indien recensait plus de 16000 suicides d’étudiants depuis les 3 dernières années, relatifs au stress, à l’anxiété et à la dépression. Un membre de l’Agence mondiale de la santé – section Inde – mentionne que malgré le fait que l’Inde possède un excellent système d’éducation, il y a un manque cruel au niveau de « l’école de la vie ».

Le stress relié à la réussite, à la compétitivité entre élèves, pression exercée par les familles : 3 facteurs clés qui expliquent en majeur partie la situation problématique vécue par de nombreux jeunes étudiants. Et lorsque arrive la période des examens, les centres d’appel et d’assistance débordent. Il manque cruellement d’agents sociaux pour pallier à la demande.

Par quel moyen doit-on aider ces jeunes étudiants? Tout le système de valeurs est à revoir. La réussite devrait passer par la vie en société et non la richesse monétaire.

Qu’en pensez-vous?

Pour en savoir plus sur l’état actuel des influences mutuelles entre jeu vidéo et cinéma, j’ai souhaité interroger un spécialiste de la question. Martin Picard est chargé de cours au département d’études cinématographiques de l’UdeM. Il rédige une thèse sur les influences des technologies numériques sur le cinéma et s’intéresse aux jeux vidéo, notamment dans le cadre d’un groupe de recherche universitaire, Ludiciné.

Je reproduis sur ce blogue un version courte de l’entretien, l’intégrale étant disponible en PDF.

Quelles sont les principales manifestations des influences du cinéma dans le jeu vidéo et, à l’inverse, des jeux vidéos dans le cinéma ?

Martin Picard : La principale influence se remarque au niveau des adaptations d’un médium par l’autre. Le jeu vidéo a servi de produits dérivés pour le cinéma dès la fin des années 1970 (et ça ne s’est jamais arrêté depuis), tandis que les premières adaptations de jeux vidéo au cinéma sont apparues au milieu des années 90 (le premier étant Super Mario Bros en 1993) et n’ont fait que s’accroître depuis.

Super Mario Bros, 1993

Plus fondamentalement, il y a aussi des influences au niveau formel. Dans ce cas, le jeu vidéo est beaucoup plus imprégné des structures du cinéma, que l’inverse. Que ce soit des structures narratives (construction des personnages, thèmes, récits classiques, etc.), ou formelles (points de vue, perspectives, montage, jeux de caméra : tout ce que Jay David Bolter et Richard Grusin appellent la remédiatisation).

Néanmoins, de plus en plus, on souligne l’influence du jeu vidéo sur le cinéma, surtout dans le cinéma hollywoodien (le cinéma spectaculaire d’effets visuels, comme Matrix, ou les films de Ridley Scott et David Fincher). Mais il y aussi des exemples dans des films indépendants, tels que Elephant de Gus van Sant (par son travail de caméra mobile), et dans le cinéma japonais (Avalon de Mamoru Oshii, St-John’s Wort de Ten Shimoyama).

Elephant, Gus Van Sant, 2003

Ces influences sont-elles un phénomène temporel, ou risquent-elles de s’imposer dans le temps ?

M. P. : Si on regarde 10 dernières années, on remarque une intensification des influences mutuelles. Néanmoins, il est très difficile de dire si c’est un phénomène qui va durer, s’intensifier, ou s’essouffler. Je pense que cela va dépendre de l’évolution de la légitimisation du jeu video (culturelle, artistique, économique) et de l’augmentation de sa popularité, qui va maintenant toujours en croissant, surtout grâce au succès de la Wii, des jeux en ligne, des consoles portables et de plus en plus des jeux sur cellulaires. Mais cela dépendra également de l’évolution du cinéma, à tous les niveaux (esthétiques, culturels, économiques, etc.).

Dans le cours que vous donnez à l’UdeM, Cinéma et technologies numériques, vous parlez d’un phénomène de ludification du cinéma et de la culture. Pouvez-vous nous expliquer ce terme ?

M. P. : Il souligne une tendance plus générale où le jeu (pas seulement le jeu vidéo, qui en fait partie bien sûr, mais le jeu en général, le ludique) prend une place de plus en plus importante dans la société aujourd’hui. Dans la culture populaire, cela se remarque par exemple à la télévision avec les reality shows ou les émissions qui permettent aux téléspectateurs d’interagir (et donc de jouer) avec ce qui passe à l’écran. Ou bien au cinéma avec de plus en plus de films qui aiment “jouer” avec leurs spectateurs, que ce soit des films à revirement tels que The Sixth Sense ou Fight Club, ou même des films d’horreur comme Saw. L’apparition du DVD vient aussi ajouter une touche ludique et interactive à la consommation de films. Bien entendu, l’interactivité est ici une notion fondamentale dans l’émergence d’une ludification de la culture et des médias.

Pour lire la suite de l’entrevue, cliquez ici.

Pour assister aux ateliers cinéma et jeu vidéo, consultez le site des RVCQ.

À vos commentaires!

Vidéo Psychostarshow

C’est ça qui m’a inspiré le titre de ce billet!

Pourquoi un titre comme ça?

Parce que ceci:  dès 2007, un groupe de travail du GIEC (Groupe intergouvernemental sur l’évolution du climat), ‘LA’ autorité mondiale en ce domaine écrivait, noir sur blanc: ‘… on est virtuelllement certain que les incendies de forêt en Austalie vont augmenter tant en nombre qu’en intensité’ en raison de l’augmentation constante des températures.

En Australie, la température a augmenté de 0,9 C depuis 1950 !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! C’est proprement terrifiant.

Un rapport scientifique du gouvernement australien met en garde à son tour: ‘comparativement à 1990, il pourrait y avoir à l’horizon 2020 une augmentation de ces incendies de l’ordre de 65%,  de 300% à lhorizon 2050.’ (!) (les traductions sont les miennes)

Saperlipopette!

On le savait! Ça fait longtemps qu’on le savait à part de ça! Il y a longtemps que la ‘petite voix à l’intérieur de nous’ nous le disait.

Everybody knows that the boat is leaking/everybody knows the captain lied./Everybody got this broken feeling /Like tehir father or dog just died/Everybody talking to theit pockets/Everybody wants a box of chocolates/and a long stem rose/Everybody knows.

Loenard Cohen : Everybody knows

Je sais aussi que la communauté internationale continue de cheminer péniblement mais dans la bonne direction dans la lutte contre le réchaufffement climatique.

Au Canada, c’est autre chose.

Tous les sondages disent que le canadiens sont bons, sont fins, sont bien intentionnés  et que nous sommes prêts à faire ceci ou cela pour réduire les émissions de GES.

Pendant ce temps là, le ‘crosseur en chef’ (l’expression est des Loco Locass)  de notre gouvernement cherche à soustraire les sables bitumineux à un futur régime nord américain de réduction des GES. Cela pourrait signifier que les émissions causées annuellement par l’exploitation des sables bitumineux atteindraient 105 millions de tonnes de CO2 à l’horizon 2020, soit sensiblement plus que toutes émissions de GES pour tout le Québec! Imaginez : de 40 millions de tonnes en provenance des sables bitumineux actuellement à, possiblement, 105 millions de tonnes en 2020.

C’est comme si on disait aux Australiens: Eh bien cramez donc, gagne de caves! Vous nous aurez au moins donné du vin pas pire pendant queq’ zannées.

Ça mérite plus qu’un saperlipopette, ça !

Une chance qu’il y a des gens comme ces quatre-vingt jeunes cyclistes qui viennent de parcourir des centaines de Km pour exiger des autorités gouvernementales des mesures pour réduire les émissions dans le domaine des transports.

On a bien sûr beaucoup parlé de Tout est parfait pour son sujet sensible, le suicide chez les adolescents. Mais c’est aussi un film qui, selon moi, doit être vu pour toutes sortes de qualités de réalisation qui supportent avec légèreté son sujet grave : l’écriture du scénario signée Guillaume Vigneault, la justesse du jeu de ses acteurs adolescents, sa photographie lumineuse qui rappelle celle de Paranoïd Park (Gus Van Sant) ou Mean Creek (Jacob Aaron Estes) – deux films qui ont également des ados pour personnages principaux et deux films qu’Yves Christian Fournier cite volontiers parmi ses influences.

Pourquoi vous reparler ici de Tout est parfait ? Parce que je suis tombée par hasard sur un entretien avec son scénariste et son réalisateur sur la chaîne Canal Savoir (vous savez, ce merveilleux poste du câble qui diffuse des cours des différentes universités de Montréal, depuis les mathématiques appliquées jusqu’aux nouvelles règles de la grammaire). Et parce que j’aimerais retranscrire ici quelques-uns des propos qu’ont tenus Guillaume Vigneault et Yves Christian Fournier pendant cet échange télévisé avec des étudiants de l’UdeM.

Sur la construction des personnages du film.

Guillaume Vigneault : La première directive que je me donnais était : « Il ne faut pas faire parler les personnages comme s’ils avaient trente ans, ce sont des ados ». La justesse du langage était très importante. Je me suis beaucoup promené dans les Cégeps et j’ai ouvert les oreilles  sur l’argot des jeunes, sur la façon dont ils se parlent mais aussi sur la façon dont ils se taisent. Il y a un des acteurs du film qui m’a finalement dit : « Ton scénario il est bien car même quand je n’ai pas de texte, j’ai du jus ». Ça m’a fait plaisir parce que c’est ce que je recherchais.

Yves Christian Fournier : On voulait que cela sonne vrai comme dans les films de Ken Loach, et de Gus Van Sant. Pas du tout comme les adolescents qu’on trouve habituellement dans le cinéma québécois !

Sur le choix des acteurs.

Y. C. F. : Au départ, on voulait faire le film seulement avec des amateurs. Je voulais avoir la même approche que les frères Dardenne. Pour Le Fils, ils avaient vus en audition 3000 personnes et la comédienne qu’il ont choisie pour le rôle principal féminin venait de la rue. Finalement, pour toutes sortes de raisons dont la difficulté d’embaucher des mineurs, on a vu aussi des jeunes qui avaient de l’expérience. Parmi eux, Maxime Dumontier était très bon, on l’a donc pris. Pourquoi vouloir des acteurs amateurs ? Parce que selon moi, quand on est ados, on a pas vu encore grand chose, et on a beau être talentueux, on a pas vu beaucoup de chose du monde, alors c’est dur de créer un véritable personnage de composition. Il faut donc puiser dans la vraie vie. Quand on a vu les ados en entretien, on leur demandait de parler d’eux, de leurs amours, de leurs peines.
Il y avait par exemple une scène que Maxime n’arrivait pas à livrer.  C’est avec la mort récente de son grand père qu’ont est allé chercher les sentiments nécessaires. Les choses de la vraie vie viennent charger le jeu des acteurs.

Sur le tournage en région.

Y. C. F. : Au départ, je n’avais envie de tourner ça nulle part : ça ne me tentait pas de faire un film à Montréal, ni un film de plateau, ni un film de région. J’aime les villes comme détroit, les périphéries des grands centres, avec toutes sortes d’endroits trash. Comme dans le film Elephant  (Gus Van Sant) où c’est une banlieue de Portland. Alors du coup j’ai trouvé mon compte dans une ville imaginaire. En plus, aucune région n’aurait aimé être associé au sujet du suicide. C’est d’ailleurs un sujet universel, aussi tabou ailleurs qu’ici. C’est bien que l’endroit ne soit pas reconnaissable.

Sur les dangers de laa poésie qui se dégage du film, et qui pourrait valoriser le suicide.

Y. C. F. : En fait, on a beaucoup travaillé sur la lumière, souvent ensoleillée et sur la beauté de la nature que l’on présente. C’est de la que vient la poésie du film. Pour moi, c’est une manière de dire : «  Il y a peut-être d’autres façons de vivre que celle que tu as essayée ». C’est une manière de faire la promotion des choses simples. C’est ce que résume le poster du film : le personnage est sur le pont, avec devant lui le vide et derrière le soleil. Il faudrait qu’il se retourne et il trouverait de la lumière.

Sur les influences documentaires d’Yves-Christian Fournier.

Y. C. F. : Je pense que la meilleure école de cinéma possible, c’est le documentaire. Ceux qui ont un regard documentaire ont une appréciation de la réalité. Ta job de réalisateur c’est de dire « j’y crois » ou « j’y crois pas ». Par exemple, en se baladant, on est tombé sur des enfants qui jouaient sur un pneu. C’était beau, on a prise la scène car on ne peut pas recréer ça. Après, on s’arrange avec le monde pour pouvoir utiliser les images. Anaïs Barbeau-Lavalette, la réalisatrice du film Le Ring, travaille comme ça. Elle vient du documentaire. Pour son film, elle est parti deux ou trois jours se promener dans Hochelaga pour filmer des gens à leur fenêtre. Ce n’est jamais aussi bon quand on veut recréer ces images.

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Tout au long des mois de février et mars, la chaîne Canal Savoir propose une série de rencontres avec des artisans du cinéma québécois, « Au cœur du cinéma québécois ».

Pour revoir Tout est parfait sur grand écran, c’est pendant les RVCQ .

La scène du Théâtre HAU 1 où ont lieu les conférences

De son témoignage, je retiens sa sympathique capacité d’autodérision et sa constante quête de compréhension du processus d’écriture. Ainsi, il cherche avant tout à véhiculer des idées qu’il souhaite voir à l’écran et tente de se détacher des images qui seront éventuellement mises au monde par le réalisateur qui aura eu la sagesse de “s’enfuir avec le scénario”. Il cultive également une méfiance des rebondissements et préfère “vivre avec” ou “déguiser” les points tournants de ses histoires plutôt que de construire la structure dramatique tout autour. Enfin, sur le métier de scénariste, il affirme que 10% de son travail consiste à écrire le scénario et 90% à le défendre : tout doit être assumé et contrairement au réalisateur dit-il, il ne peut pas se permettre de justifier une décision par l’argument “it just feels right” !

L’ambiance d’après-midi au Talent Campus

Après un rapide dîner au “lounge” du Talent Campus, j’ai ensuite assisté à un panel sur le tournage documentaire où nous avons eu droit à plusieurs extraits de films commentés. J’ai entre autres découvert le travail de l’américaine Michèle Ohayon qui nous a parlé de trois films que je me promets de voir dès mon retour à Montréal : It Was a Wonderful Life (1993) sur la vie dans le quartier défavorisé de South Central à Los Angeles, Coybow del Amor (2005) sur l’improbable histoire d’un cowboy devenu entremetteur pour des Américains à la recherche d’épouses mexicaines, et Steal a Pencil for Me (2007) sur la touchante histoire d’amour d’un couple qui s’est formé dans un camp de concentration nazi.

L’imposante Potsdamer Platz où la Berlinale tient ses quartiers officiels

Aujourd’hui débute véritablement les activités du Talent Campus. Chaque matin à 9h, il faut faire la file pour réserver les billets qui nous donneront accès aux diverses conférences des deux prochains jours. Ce n’est pas du tout mon activité préférée post-déjeuner, mais le programme proposé est si alléchant qu’on est bien obligé de prendre son mal en patience.

Le théâtre HAU 2 où a lieu une partie des activités du Talent Campus

Au menu pour moi dans les prochaines heures : une leçon de scénarisation avec le scénariste David Hare (The Reader), un masterclass sur le tournage documentaire, une visite guidée à l’European Film Market, un panel avec des producteurs belges, un souper-rencontre avec des invités de marque… et peut-être un film en fin de soirée si le temps le permet.

Je vous reviendrai bientôt avec les meilleurs moments de cette journée.